Hay proyectos que nacen de una idea muy simple y terminan abriendo una puerta mucho más grande de lo que uno esperaba. Eso fue lo que pasó con esta nueva pieza: quería explorar dos figuras humanoides, cargadas de actitud —una con un tridente, otra alzando la mano en un gesto de rock— y terminé encontrando un lenguaje visual completo que quiero bautizar como Mitología Vectorial.
El punto de partida: geometría que respira
Lo que más me atrapó de esta composición fue el reto de integrar figuras con personalidad —lentes exagerados, cabello estilizado, gestos muy humanos— dentro de una retícula de círculos, líneas y patrones interconectados. No quería que la geometría fuera solo un fondo decorativo; quería que las figuras nacieran de ella, que fueran parte del mismo sistema de líneas y no un elemento pegado encima.
El formato vertical ayudó muchísimo a esto. Al trabajar en 9:16, la composición se convierte casi en un tótem: los círculos concéntricos, las nubes, las gotas de lluvia y las olas se acomodan en capas que suben y bajan, dándole a la pieza un ritmo casi narrativo, como si contara una historia de arriba hacia abajo.
Dos figuras, dos actitudes
El tridente y el gesto de rock and roll no fueron una casualidad. Quería que las dos figuras dialogaran entre sí sin necesidad de estar mirándose: una con un símbolo de poder casi mitológico, la otra con un gesto pop, contemporáneo, casi irreverente. Ese contraste —lo antiguo y lo callejero conviviendo en el mismo plano— es el corazón conceptual de la serie Mitología Vectorial. Los lentes de sol exagerados y el cabello estilizado terminan de aterrizar esa idea: son figuras que podrían ser dioses antiguos o podrían ser la portada de un disco.
El color como segundo lenguaje
Una vez resuelta la estructura, el verdadero laboratorio empezó con el color. Probé una docena de paletas distintas para ver cómo cambiaba el carácter de la pieza sin tocar ni una línea del diseño:
- Tonos tierra clásicos (teal, marrón, beige) le dan a la ilustración una sensación cálida y terrosa, casi artesanal.
- Paletas cálidas como atardecer o terracota desierto empujan la pieza hacia algo más solar y enérgico.
- Paletas frías como océano profundo o monocromo pizarra la vuelven más introspectiva, casi nocturna.
- La familia de ocres, verdes, dorados y plata fue la que más me sorprendió: dependiendo de cuál color se vuelve dominante —el ocre, el verde bosque, el dorado o la plata— la misma composición pasa de sentirse como una reliquia antigua a sentirse como una pieza casi futurista.
Ese ejercicio confirmó algo que ya sospechaba: la estructura geométrica es lo suficientemente sólida como para sostener lecturas emocionales muy distintas solo cambiando la paleta. Es la misma mitología, contada en climas distintos.
Lo que sigue
Esta primera exploración ya me deja con ganas de extender la serie: nuevas parejas de figuras, nuevos símbolos además del tridente y el gesto de rock, y seguir jugando con las paletas para encontrar cuáles se convierten en las “oficiales” del proyecto. Por ahora, Mitología Vectorial queda abierta como un espacio para seguir cruzando lo geométrico con lo humano, y lo antiguo con lo pop.
¿Cuál de las paletas —tierra, atardecer, océano, o la familia ocre-dorado-plata— te gusta más para esta pieza? Cuéntame en los comentarios.
Esta serie nació también acompañada de sonido. Mientras trabajaba en las variaciones de color, tenía sonando ese mismo espíritu libre del rock psicodélico: el peso ceremonial de “Kashmir” y “Immigrant Song” de Led Zeppelin, la tormenta constante de “Riders on the Storm” de The Doors, y el trance hipnótico de bandas más actuales como Tame Impala y The Black Angels. No fue casualidad — esa música comparte la misma lógica que persigo en la ilustración: estructuras que se repiten y se transforman, atmósferas que cambian de color sin perder su centro, y una actitud que no le teme a lo excesivo ni a lo antiguo. El tridente y el gesto de rock and roll de esta pieza no solo se ven así; también suenan así.
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